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16 de Octubre, 2009
· Música |
1001 discos que debes escuchar antes de morir x mediafire |
Como su nombre tiene a bien indicar, este libro es excelenteademás de interesante como referencia musical. Editado por: RobertDimery, con Prefacio de Michael Lydon, seleccionado y escrito por 90críticos de corte internacional.
La lista se encuentra organizada de forma cronológica, abarcandoproducciones realizadas desde el año 1950 hasta el 2005, siendo estelibro publicado en el 2006.
Nuestra intención al igual que la obra impresa, más que una listade los mejores 1001 discos, es dar a conocer los álbumes y suscantantes que, a juicio de los críticos expertos, representan de mejorforma la música de los 55 años que comprende.
Por mi parte continuo con este proyecto con el compromiso decolocar dichos álbumes, con su respectiva crítica, y así seguir hastaque la lista este completa. Todos estos álbumes, como viene siendocostumbre, cuando el afán es compartir, serán alojados en Mediafire,sin limitaciones para descargar.
Seguimos con la lista...
En honor a quien lo merece, leshago participes del aporte de nuestro compañero P0L0K0, aquí en Taringapor fin el ebook en descarga de los "1001 álbumes que debes escucharantes de morir" para aquellos que como su servidor le hemos estadobuscando afanosamente. Todo el crédito para él.
1001 álbumes el libro
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476. Steve Winwood – Arc of a Diver (1980)
Steve Winwood es un cantante, teclista y compositor inglés. Susprimeros pasos los dio en la banda Spencer Davis Group y Blind Faith enlos años sesenta y luego en el grupo inglés Traffic, paraposteriormente iniciar a mediados de los setenta una exitosa carreracomo solista que tuvo su punto cúlmine en la segunda mitad de los añosochenta. Su sonido se caracteriza por el uso del teclado comoinstrumento principal adornado con influencias de jazz, el R&B y elpop.
No sería hasta la publicación del álbum "Arc Of Diver" de 1980, undisco en el que él mismo tocaba todos los instrumentos, que Winwoodconsolidaría su éxito como solista. El disco sirvió para modernizar elsonido de Winwood con sintetizadores y percusión electrónica.
Este disco contiene la canción éxito "While You See A Chance" y elHot 100 "Arc Of Diver", fue recibido con los brazos abiertos por lacrítica y saludado como un sonido nuevo. Elevando el disco a lacategoría de multiplatino.
1.While You See a Chance
2.Arc of a Diver
3.Second-Hand Woman
4.Slowdown Sundown
5.Spanish Dancer
6.Night Train
7.Dust
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477. Pretenders – Pretenders (1st Album) (1980)
The Pretenders es un grupo anglo-americano de rock que en suscomienzos formó parte de la llamada new wave. La banda se componíaoriginalmente de su fundadora, compositora, guitarrista y vocalistaChrissie Hynde, el guitarrista James Honeyman-Scott, el bajista PeteFarndon y el batería Martin Chambers. Las muertes de Honeyman-Scott yFarndon por consumo de drogas malograron esta formación, y losmúltiples cambios de músicos en los años posteriores han dejado aChrissie Hynde como único miembro permanente y referente absoluto delgrupo. La actividad pública de Hynde ha trascendido el terreno musicaly se ha destacado como activista en favor de diversas causas.
The Pretenders se funda en 1978, cuando la primera oleada del punkbritánico da sus últimos coletazos. La banda finalmente reunida porHynde se componía de varios conocidos suyos, músicos jóvenesprocedentes de Hereford, más próximos a la estética pop, y que a pesarde haber quedado al margen de la explosión del punk en 1976, estabanansiosos por ponerse al día.
El álbum de debut, Pretenders , fue editado en enero y resultó unenorme éxito de crítica y de ventas, tanto en el Reino Unido como enlos Estados Unidos. El disco acabaría por ser incluido entre losmejores LPs de todos los tiempos por las publicaciones VH1 (puesto 52)y Rolling Stone (puesto 155), y segundo mejor LP del año por la revistaMelody Maker. El grupo inició una gira, interpretando el álbum alcompleto, que incluyó dos conciertos en Nueva York en mayo16 y agosto17de 1980, y el festival de Heatwave, en agosto de ese año.
1.Precious
2.The Phone Call
3.Up the Neck
4.Tattooed Love Boys
5.Space Invader
6.The Wait
7.Stop Your Sobbering
8.Kid
9.Private Life
10.Brass In Pocket
11.Lovers of Today
12.Mystery Achievement
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478. Einstürzende Neubauten – Kollaps (1981)
Primer LP de la banda alemana Einstürzende Neubauten, en ese entonces conformado por Blixa Bargeld, N.U. Unruh, y F.M. Einheit.
No se sabe si los Einstürzende Neubauten protestaron alguna vezcontra el invasor americano, pero sí que consta que hacia 1980 seimplicaron en un experimento musical como pocos había habido hastaentonces; estando aún en fase de incipientes balbuceos el estilo demúsica llamado “industrial”, estos sujetos se bautizaron con palabrasque significan “demoliendo edificios nuevos” y probaron a ensayar confuentes de sonido auténticamente industriales como martillosneumáticos, cortafríos y llaves inglesas; cuenta la leyenda que dichosensayos se llevaban a cabo en un hueco cavado en un pilar de unaautopista de las afueras de Berlín Oeste, al que los invitados a losensayos eran conducidos con los ojos vendados para que no pudieranlocalizar dónde se emplazaba. Otros rumores dignos de mención son losque sitúan a los Einstürzende Neubauten usando sus martillos pilonespara abrir un agujero en la pared que les permitiera escapar de serlinchados por los asistentes a un concierto suyo en Noruega.
“Kollaps” es el álbum donde queda recogido todo esto. Disco fierocomo pocos, posee la audacia y facundia de los que saben que estáninventando algo y no se amilanan ante ello; paisajes minerometalúrgicoscomo el lignito extraído en las minas de los alrededores de Dresde sesuceden uno tras otro, y el cielo musical se vuelve irremisiblementeplomizo. No pretendían engañar a nadie los Einstürzende Neubauten; comoprueba el que titularan uno de los temas de este disco “Hören mitSchmerzen” (escuchar con dolor), su actitud era absolutamentepremeditada y consecuente. De hecho, uno de los momentos sublimes de“Kollaps” es la versión de la almibarada melodía del “Je T´Aime Moi NonPlus”, de los paradigmáticos hippyviolinistas parisinos Jane Birkin ySerge Gainsbourg, interpretada aquí al cortafríos o rotaflex o lo quequiera que eso sea, que mi conocimiento sobre herramientas metalúrgicasnunca ha sido exhaustivo.
Desde entonces, cada álbum de los Einstürzende Neubauten hasupuesto un salto sin red hacia ignotos agujeros negros y regiones congravedad desconocida; en el entanto, Blixa Bargeld, F.M. Einheit,Alexander Hacke y los otros participantes en tantos y tantos atentadosal lugar común han ido envejeciendo, y ellos que empezaron en tuguriosy descampados fueron encargados años después de poner música acarísimas obras de teatro a estrenar en grandes escenariosinstitucionales alemanes. Pero esa es historia que deberá ser referidaen otras páginas; ésta termina emplazándote a que escuches el “Kollaps”y que pienses después en lo prescindible que resulta la melodía cuandono se tiene nada que decir con ella.
1.Tanz Debil
2.Steh Auf Berlin
3.Negitiv Nein
4.U-Haft Muzak
5.Draussen Ist Feindlich
6.Horen Mit Schmerzen
7.Jet'm
8.Kollaps
9.Sehnsucht
10.Vorm Krieg
11.Hirnsage
12.Abstieg & Zerfall
13.Helga
14.Negativ Nein (Live)
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479. Siouxsie & the Banshees – Juju (1981)
Angustia, magia negra, frenesí, atmósferas oscuras y densas, secondensan en este cuarto álbum de la impredecible Siouxsie y susBanshees, una de las bandas cruciales de los años ochenta, de unregistro que supo distinguirse a tiempo de la camada postpunk quederivó en la uniforme y monocorde música "dark" o "gótica". Se debeagradecer a la sensibilidad artística de Siouxsie Sioux por haberledado la vuelta a cada uno de los clisés del siniestrismo y, en todocaso, haber consumado un desarrollo no efectista, imponiendo supersonalidad provocadora. Acompañada de Steve Severin en el bajo, suposobrevivir a la vorágine punk –de la cual ambos provenían– yobsequiarnos la versión "oscura" del pop, con ciertos retoquesorientalistas.
Juju es un álbum nocturno, que reclama la noche para ser escuchadoy caer en su hechizo. A la vez, por su temática desfila toda laparafernalia de las películas de horror, en nueve surcos que repasandesde la celebración del Halloween (Halloween), hasta el rito vudú detortura que consiste en traspasarle alfileres a una muñeca (Voodoodolly), desde destripadores perseguidos (Night shift) hasta elcanibalismo televisivo (Monitor) y la colección de cabezas humanas(Head cut).
Pero lo destacable es que la Siouxsie no se vale de adornos ni desobreproducciones para transmitirnos su particular visión de lotenebroso. Desde el inicio escuchamos a una banda de rock básico, sinmás pergaminos que magníficos riffs de guitarra cortesía de JohnMcGeoch y una percusión a cargo de Budgie. Ambos marcan el ritmofrenético de las canciones más delirantes del álbum. Los admiradores deSiouxsie y sus Hadas Malignas suelen rescatar esta primera etapa de ladiva postpunk; sin embargo, no decepcionan sus trabajos posteriores.Este es tro álbum esencial.
1.Spellbound
2.Into the Light
3.Arabian Knights
4.Halloween
5.Monitor
6.Night Shift
7.Sin in My Heart
8.Head Cut
9.Voodoo Dolly
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480. Heaven 17 – Penthouse & Pavement (1981)
Despúes de las desavenencias entre Crash y Ware con Oakey ymarcharse de The Human League, forman B.E.F como dúo, y Heaven 17cuando incorporan al cantante Gregory en los temas.
Editan este disco en el 81 que tuvo bastante aceptación en elReino Unido, llegando al puesto veinte en las listas. En Europa,receptiva a los sonidos Techno Pop que empezaban a invadir losmercados, tuvo bastante impacto el tema que salió como single que eraPlay to Win.
Creo que es un disco de referencia dentro de la electrónica engeneral y del Techno Pop y Shynt Pop en particular. El disco contaba dela parte Penthouse, en la cual el ritmo Funk Soul sintético, tomabafuerza con los cuatro temas que aquí se encontraban, y que por aquelentonces, no era un sonido muy habitual.
Sólo por esta cara A ya es una referencia para lo que despuéshicieron otros grupos, incluidos los actuales, en mezclar Soul yElectrónica, o como se decía hace años, "Sentimiento a las máquinas" Lacara B, aún es deudora de los sonidos más puramente que Ware y Marshhabía fabricado con The Human League, aunque temas como The Eight ofthe Fighting son una pura gozada Syth pop bailable y no desentonaría encualquier recopilatorio Electroclash.
En definitiva, desarrollando lo que consiguieron plenamente en elsiguiente álbum Luxyry Gap, asemejando estar aún en una encrucijadaentre el pasado y el futuro, consiguieron con esas dudas un puñado detemas imprescindibles para el posterior desarrollo de los sonidoselectrónicos. Y es que, a pesar de no tener éxito, ya con los primerosHuman League estos dos chicos eran muy buenos.
1.(We Don't Need This) Fascist Groove Thang
2.Penthouse and Pavement
3.Play to Win
4.Soul Warfare
5.Geisha Boys and Temple Girls
6.Let's Make a Bomb
7.Height of the Fighting, The
8.Song With No Name
9.We're Going to Live For a Very Long Time
10.Groove Thang - (B.E.F.)
11.Are Everything - (12" version)
12.I'm Your Money - (12" version)
13.Decline of the West - (B.E.F.)
14.Honeymoon in New York - (B.E.F.)
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481. Go-Gos – Beauty & the Beat (1981)
The Go-Go's son una banda de rock conformada exclusivamente pormujeres formada en 1978. Hicieron historia como el primer grupocompletamente femenino en la música pop que tocaba sus propiosinstrumentos y escribían sus propias canciones, que llegó a las listasde Billboard con un álbum #1. Surgieron a principios de la década de1980 y éxito fuera de lo común contribuyó al florecimiento de una erade nuevas bandas y nueva música en los Estados Unidos. Su álbum debut"Beauty and the Beat" es considerado como una piedra angular del"American new wave". En un inicio únicamente tocaban pop punk yposteriormente se definieron como el sonido distintivo del rock de1980. Tienen cinco éxitos Top 40.
The Go-Go's firmaron con IRS Records en Abril de 1981. Su álbumdebut Beauty and the Beat fue una sorpresa ya que llego al tope de laslistas de popularidad en seis semanas. "Our Lips Are Sealed" y unanueva versión de "We Got the Beat" fueron extremadamente populares aprincipios de los 80´s. Belinda Carlisle llego a ser la más exitosa delas ártistas de la banda, teniendo varioes sencillos a finales de ladécada de 1980, incluyendo el sencillo número uno "Heaven Is a Place onEarth"
1.Our Lips Are Sealed
2.How Much More
3.Tonite
4.Lust to Love
5.This Town
6.We Got the Beat
7.Fading Fast
8.Automatic
9.You Can't Walk in Your Sleep (If You Can't Sleep)
10.Skidmarks on My Heart
11.Can't Stop the World
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482. Motörhead – No Sleep ‘Til Hammersmith (1981)
Surgidos a mediados de los años 70, Motörhead, liderados por sufrontman y bajita Lemmy Kilmister, fan de los Beatles, roadie de JimiHendrix y miembro de Hawkwind, fue uno de los nombres claves en el hardrock acelerado, iterativo y potente, una banda británica significativadentro del heavy metal de los 80, que retomaba con amplificación sonoray sudoración escénica las constantes más básicas del rock’n’roll,ejecutadas con rapidez, redundancia abrasiva, destreza e indocilidadsónica.
En su juventud Lemmy admiraba a gente como Chuck Berry, LittleRichard, Elvis Presley, The Who o The Beatles, banda a la que contemplócon asiduidad en The Cavern. Paradójicamente, Lemmy siempre afirma quelos Beatles son una de las grandes bandas de la historia por sudiversidad, característica poco ajada en Motörhead, recayendo sussonidos en la potencia de su instrumentación y en la agresividad de sucaracterística vocalidad, vinculada a su pronunciada personalidad, unade las más carismáticas en el mundo del rock.
Los años 80 encumbraron a Motörhead como una de las bandas máspoderosas del planeta y uno de los nombres clave de la new wavebritánica de heavy metal, apuntaladores del speed metal o el thrashmetal, especialmente tras el fenomenal directo “No Sleep ‘TilHammersmith” de 1981, creado como resultado de la gira del album Ace OfSpades, tal vez uno de los álbumes en vivo más importantes de lahistoria, con el que alcanzaron rapidamente el No. 1.
1.Ace of Spades
2.Stay Clean
3.Metropolis
4.Hammer, The
5.Iron Horse
6.No Class
7.Overkill
8.Road Crew, (We Are) The
9.Capricorn
10.Bomber
11.Motorhead
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483. Soft Cell – Non Stop Erotic Cabaret (1981)
Soft Cell fueron unos de los pioneros en utilizar la fórmula deldúo con cantante excéntrico y andrógino (Marc Almond) que se hacíaacompañar de un freakie experto en el aparataje electrónico (Dave Ball)de único compañero, como ya hicieron Suicide, DAF, O.M.D. o conposterioridad Pet Shop Boys.
Procedentes de Leeds, Inglaterra, las letras del algo afectado ymelodramático Almond hacían referencia habitualmente a elementos de undeterminado submundo gay, nunca antes reflejado expresamente en lamúsica popular, y a la hipocresía de algunas personas que, formandoparte de él, renegaban públicamente del mismo dando una imagenrespetable cara al exterior; pero todo ello estaba bañado en uncocktail musical que incluía fundamentalmente pop y soul de guanteblanco, que, aunque realizado con la instrumentación electronica deBall, los convertía en un producto perfectamente consumible por todoslos públicos.
En este primer LP, que fue su mejor creación y que acabópublicando el sello Some Bizzare cabe destacar Tainted Love, unaversión de un tema de northern soul cantado originalmente por GloriaJones, que fue nº 1 en muchisimos paises, junto con otras cancionescomo Bedsitter, Chips on my shoulder, Secret Life o los tonosmelancólicos de Say Hello Wave Goodbye, a modo de cierre.
El disco fue exitoso y polémico, destacando el revuelo quegeneraron sus videoclips en general, y en especial el del tema SexDwarf, dirigido por Tim Pope, habitual director de videos de gente comoThe Cure. En cierto modo, Non-stop the erotic cabaret supuso el cantode cisne de Soft Cell, que continuaron hasta 1983 publicando 3 álbumesmás, pero ninguno de este calibre.
1.Frustration
2.Tainted Love
3.Seedy Films
4.Youth
5.Sex Dwarf - (remix)
6.Entertain Me
7.Chips on My Shoulder - (remix)
8.Bedsitter
9.Secret Life
10.Say Hello, Wave Goodbye
10.Say Hello, Wave Goodbye
11.Where Did Our Love Go?
12.Memorabilia
13.Facility Girls
14.Fun City
15.Torch
16.Insecure Me
17.What?
17.What?
18.....So
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484. Orchestral Manoeuvres in the Dark – Architecture & Morality (1981)
La escena musical de Liverpool a fines de los 70's representaba unexcitante y dinámico lugar donde se podía triunfar. Todo el mundointegraba una banda, tenía incluso la libertad de optar entre una uotra, o lisa y llanamente estaba formando un grupo. En medio de todaesta actividad se encontraba Eric's Club, un espacio pequeño y discretoque promovió a varios exponentes como The Teardrop Explodes, Echo &the Bunnymen y Frankie Goes to Hollywood. Este era el panorama quereinaba en ese local, cuando Orchestral Manoeuvres In The Darkdebutaron en 1978.
Los miembros fundadores Andy McCluskey y Paul Humphreys habíansido originalmente inspirados por la música electrónica experimental degrupos alemanes como Kraftwerk y Neu!.
En 1981, logran ir más alto aún con 'Enola Gay', su primer hitinternacional (inspirado en el avión que tiró la bomba atómica enHiroshima). El éxito obtenido le permitió a OMD convertirse en uno delos principales polos atrayentes a nivel de espectáculos. Contratandomúsicos extras para esos shows, Humphreys y McCluskey reclutan para elfuturo otros instrumentistas para sus sesiones de grabación.Finalmente, OMD se vuelve un cuarteto: se agregan Martin Cooper(teclados y saxo) y Malcolm Holmes (batería), que eran ya amigos en lostiempos pre-OMD.
El tercer album, 'Architecture and Morality' editado en 1981,demostró una de las mejores etapas artísticas de OMD. Desde allí sedestacan 'Souvenir', 'Joan Of Arc' y 'Maid Of Orleans'. Todos ellosalcanzaron el Top5 en 1982. Vendían millones de singles y albums,estaban en boca de todo el mundo. "Architecture & Morality", es laobra cumbre de Orchestral Manoeuvres In The Dark. LLegó a copar elpuesto nº 5 de la lista de singles Inglesa y el nº 3 en la de álbumes.
1.The New Stone Age
2.She's Leaving
3.Souvenir
4.Sealand
5.Joan of Arc
6.Joan of Arc (Maid of Orleans)
7.Architecture and Morality
8.Georgia
9.The Beginning and the End
10.Extended Souvenir - (bonus track)
11.Motion and Heart - (Amazon version)
12.Sacred Heart - (bonus track)
13.Romance of the Telescope - (bonus track)
14.Navigation - (bonus track)
15.Of All the Things We've Made - (bonus track)
16.Gravity Never Failed - (bonus track)
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485. Brian Eno & David Byrne – My Life in the Bush of Ghosts (1981)
My Life in the Bush of Ghosts es un disco fascinante. Fascinanteporque es tan fácil dejarse llevar por el encanto de sus sampleadospioneros, de su rítmica inquieta e intuitiva o su revolucionarioconcepto a la búsqueda de cargarse ideas preconcebidas sobre lo quedebe ser un disco de rock como por ser un disco en el que convergennumerosas actitudes y formas de ver otras culturas desde elanglocentrismo de dos pedazo de "arties" como David Byrne y Brian Eno.Y pese a todas las críticas ideológicas que se puedan verter sobre éstedisco, es innegable que es uno de los mejores publicados por cualquierade sus dos autores, por reflejar a la perfección sus actitudes frente ala música y el mundo, y por ser una irresistible colección de cancionesque sirvieron de inspiración a muchos otros discos posterioresigualmente imprescindibles.
Pero además de la influencia de este disco hay que hablar dellado controvertido, el ideológico. Al poco de publicarse en 1981, esteLP comenzó a recibir acusaciones de imperialismo ideológico, siendo elejemplo más citado el de la crítica de Joe Pareles para Rolling Stone:
Como todo el arte encontrado, plantea cuestiones que tienen quever con el contexto, la manipulación y el imperialismo cultural […] MyLife in the Bush of Ghosts me hace preguntarme, sin embargo, cómoreaccionarían Byrne o Eno si Dunya Yusin dividiese un poco de “Animals”y un poco de “The Paw Paw Negro Blowtorch”, y le añadiese su idea de uncontexto adecuado. ¿Tiene este poblado global un tráfico de doblesentido?
Ahí están resumidas, en un breve párrafo, las principalesacusaciones de este disco. La crítica de Pareles era, en generalpositiva, aunque recogía las reticencias básicas de un punto de vistacimentado en arquetipos rockistas, que no acababa de ver claro cómo unaemergente forma musical basada en el sampleado y que erosionaba hastacierto punto el concepto de autoría occidental podía acomodarse en unainterpretación de la música pop tradicional basada vagamente en losconceptos tradicionales de autoría y autenticidad. Esto es lo que dijoBrian Eno al respecto en una entrevista en Trouser Press:
Tengo interés por ver qué ocurre cuando este álbum se publique[…] porque los críticos de rock siempre analizan las palabras en unacanción; consideran eso como la cumbre del significado. Existen unmontón de cosas por debajo, pero el significado, supuestamente, estápresente en las palabras.
No debemos olvidarnos de que este LP no deja de ser una de lascimas del post-punk, y en este sentido es fácil comprobar como Eno yByrne pretendían intencionadamente desmontar, o al menos juguetear, conla idea de la autoría musical y la autenticidad asociada a ella, algoque está en perfecta sintonía con las intenciones revolucionarias detantos representantes del post-punk que demandaban una reinterpretaciónpropia de los criterios para valorar el arte y la vida en general. Esosí, tampoco podemos olvidarnos de que, con el tiempo, y una vezasumidos conceptos como el sampler, el poder subversivo de este discoha quedado un tanto limado en este sentido, y curiosamente la autoríade Byrne y Eno es clarísima en este disco, siendo muy fácil situarlo enel contexto de sus respectivas carreras. Pero es que, claro, estamoshablando de dos tipos con una personalidad más que marcada y que,irónicamente, seguían siendo inconfundiblemente ellos mismos por muchoque intentasen ocultar su autoría mediante estrategias –como la de nocantar en ninguna canción en el disco cuando la crítica asociaba alcantante de un disco con su autor- que hoy difícilmente sonconsideradas como controvertidas.
Aún así, nos queda otra área en la que este disco fue discutido,y aquí sí que nos metemos en un terreno de arenas movedizas, un terrenoen el que es harto complicado llegar a una respuesta definitiva, peroun terreno que, por lo mismo, es más interesante. My Life in the Bushof Ghosts desató la discusión, en el terreno del pop, sobre lasrelaciones culturales de el Reino Unido con su antiguo imperio y de lanueva posición culturalmente imperialista de los EEUU.
1.America Is Waiting
2.Mea Culpa
3.Regiment
4.Help Me Somebody
5. The Jezebel Spirit
6.Very, Very Hungry
7.Moonlight in Glory
8.The Carrier
9.A Secret Life - (Arabic)
10.Come With Us
11.Mountain of Needles
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486. Black Flag – Damaged (1981)
Black Flag es una banda originaria de California Estados Unidos, seformó ahí por el año de 1977, son famosos por darle al punk un sonidomucho más rasposo y más rápido. Fue una banda que se consideró como unaamenaza pública, con tintes políticos, fueron tachados de terroristas yconstantemente vigilados por las autoridades.
Se tardaron algunos años en finalmente publicar este álbum“Damaged”, la disquera MCA Records después de muchas promesas al finalnunca lo editó por considerarlo un disco demasiado contestatario einmoral. Por lo tanto Greg Ginn, líder, guitarrista y compositor, seaferró a sus ideas y para lograr sacar el álbum fundó una disqueraalternativa llamada SST que con el tiempo fue un sello que editó abandas tan importantes como Hüsker Dü, Sonic Youth, Minutemen, MeatPuppets o Dinosaur Jr. entre otros.
Posteriormente Black Flag sufrió muchos cambios de formación, elúnico miembro constante fue justamente Greg Ginn, pero como en casitodos los casos de las bandas de punk tuvieron momentos desastrosos condiscos muy malos y momentos brillantes. Altas, bajas y una vida corta.Sin embargo dejaron este su primer disco LP como un histórico del punk.
1.Rise Above
2.Spray Paint (The Walls)
3.Six Pack
4.What I See
5.T. V. Party
6.Thirsty and Miserable
7.Police Story
8.Gimmie Gimmie Gimmie
9.Depression
10.Room 13
11.Damaged II
12.No More
13.Padded Cell
14.Life of Pain
15.Damaged I
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487. X – Wild Gift (1981)
Los punks de California desarrollaron su propia identidad, primeroen Los Ángeles y después en San Francisco. Los primeros héroes de laescena de Los Ángeles fueron los Germs (10), cuya carrera breve ytrágica permanecería como símbolo de toda la escuela. GI (1979) nocontenía canciones, sino miniaturas de canciones, no melodías sinosimples gritos a muy alta velocidad. Su vocalista, Paul "Darby Crash"Beahm, era un visionario decadente en la tradición de Rimbaud yKerouac, pero no tenía tiempo para probarlo (murió de una sobredosis en1980).
Pero fue X (12) el epítome del zeitgeist de Los Angeles en la eradel punk-rock. En lugar de practicar el nihilismo y la perversión quelos punk-rockers a menudo jactaban, los vocalistas John Doe y Christine"Exene" Cervenka los pintaban como enfermos sociales, causados por laalineación en la metrópolis. Las letanías depresivas de LA (1980) deSuicide una cosmovisión más allá de la desesperación de los SexPistols. Mientras no tan metafísicos como los Doors, ellos tambiéncentraban en el retrato atmosférico de la enfermedad (deshumanización),más que en el análisis físico de los síntomas. A diferencia de losDoors, quienes buscaban un trance psicodélico, X ventilaban furia ydisgusto. El álbum era, a final de cuentas, una galería de vagos,drogadictos, beatniks, pervertidos, bandidos, etc. La vida decadentenueva del tema, era el objeto de sus sermones hiperrealistas. No es desorprender, su punk-rock se basaba en los matices estilísticos elguitarrista Billy Zoom los cuales contenían fuertes elementos decountry, blues y rockabilly, géneros que hacían referencia a la genteordinaria y sus vidas ordinarias. Wild Gift (1981) y Under The BigBlack Sun (1982) lo probaron: X eran una banda de rock de raíces, susarmonías vocales recordaban a Jefferson Airplane, y sus letrasintroducían un populismo de un nuevo tipo.
1.The Once Over Twice
2.We're Desperate
3.Adult Books
4.Universal Corner
5.I'm Coming Over
6.It's Who You Know
7.In This House That I Call Home
8.Some Other Time
9.White Girl
10.Beyond and Back
11.Back 2 the Base
12.When Our Love Passed Out on the Couch
13.Year 1
14.Beyond and Back
15.Blue Spark - (demo)
16.We're Desperate - (single version)
17.Back 2 the Base
18.Heater - (rehearsal)
19.White Girl - (single mix)
20.Once Over Twice, The - (unissued single mix)
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488. Psychedelic Furs – Talk, Talk, Talk (1981)
The Psychedelic Furs, grupo post-punk comandado por Richard Butler,a la voz, y flanqueado por su hermano Tim Butler, con el bajo, JohnAshton a la guitarra, y Vince Ely a la batería, publica en 1981 susegundo disco "Talk, talk, talk", que sigue la estela del títulohomónimo, con el que debutaron estas "pieles psicodélicas". "Talk,talk, talk" representa la introducción del grupo de la psicodeliaprogresiva en el post-punk, adaptada a los 80, y con reminiscencias dela música glam y aperturas hacia el pop ochentero, y en el que RichardButler nos transmite un mensaje de libertad sexual y emocional: no alos compromisos, no a los tradicionales flirteos y galanteos, y sí alinstinto, a la sexualidad, el impulso y la lascividad.
En conclusión, bastante recomendable disco de The Psychedelic Furs, abanderados del post-punk comercial de calidad de los 80.
1.Dumb Waiters
2.Pretty in Pink
3.I Wanna Sleep with You
4.No Tears
5.Mr Jones
6.Into You Like a Train
7.It Goes On
8.So Run Down
9.All of This and Nothing
10.She Is Mine
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489. Human League – Dare (1981)
The Human League tuvo que pelear duro el puesto que terminóocupando en el pop de entre las décadas de los setenta y los ochenta,ya que la eclosión de los Nuevos Románticos de la mano de SpandauBallet, Duran Duran o los propios Ultravox, no dejaba mucho sitio paralos demás. Pero todo llega, y el álbum ‘Dare!’ (A&M, 1981) y másconcretamente el tema ‘Don´t You Want Me’ les granjeó fama y reputacióna nivel mundial. Ni antes, ni después hicieron un disco parecido.‘Dare!’ son palabras mayores, probablemente uno de los mejores discosde synth-pop de todos los tiempos.
El origen de The Human League está en Sheffield en 1977 y en elgrupo llamado Dead Daughters, formado por Martyn Ware e Ian Marsh –dosamantes del glam-rock, la Tamla Motown y la músiica electrónica-.Posteriormente, y ya con Adi Newton, pasaran a llamarse The Future.Cuando Adi se marcha, Ware y Marsh comienzan a buscar cantante siendoGlenn Gregory –fundador de Heaven 17- el elegido, aunque finalmenterechaza la oferta. Martyn decide proponerle el puesto a un antiguocompañero del Instituto llamado Phillip Oakey, que decide aceptarla. Apartir de éste momento nace The Human League. Con esta formaciónregistran sus primeras maquetas y poco después reclutan a Adrian Wrightque se encargará de todas las cuestiones visuales. Buena parte delmaterial registrado en esta época fue compilado por Richard X ypublicado en 2002 bajo el título de ‘The Golden Hour of the Future’.
En 1978 firman con la discográfica independiente Fast y publicansu primer single ‘Being Boiled’, que les servirá para girar conSiouxsie And The Banshees. En 1979 se publica su álbum debut‘Reproduction’ (Virgin, 1979) y en 1980 su continuación ‘Travelogue’(Virgin, 1980). Ambos tendrán un moderado éxito comercial, lo queprovocará un aumento de las tensiones internas de la banda, motivo porel que a finales de 1980 Ware y Marsh deciden dejar The Human league yformar British Electronic Foundation. Oakey toma las riendas y retocala formación del grupo, pasando Adrian Wright a ocuparse delsintetizador y reclutando al bajista Ian Burden y a las coristasSusanne Sulley y Joanna Catherall y algo más tarde, al guitarrista deThe Rezillos, John Callis.
Con The Human League completamente reconstruida, Oakey planea suasalto definitivo a las listas de éxito y al reconocimiento masivo.1981 es el año crucial del grupo y comienza con la publicación de tressingles: ‘Boys and Girls’, ‘Love Action’ y Open your Heart’ que auguranel éxito del álbum ‘Dare!’ (A&M, 1981).
Al abrumador éxito de ‘Dare!’ le seguirán un par de álbumes,‘Love & Dancing’ (A&M, 1982) e ‘Hysteria’ (Virgin, 1984) quefueron difuminando las intenciones de la banda, pasando ésta a unperiodo de inactividad sólo alterado por el álbum ‘Crash’ (A&M,1986) y el trabajo en solitario de Oakey junto a Giorgio Moroderpublicado en 1985, que duraría hasta 1990 -año de publicación de‘Romantic?’ (A&M, 1990)-.
1.Things That Dreams Are Made Of
2.Open Your Heart
3.Sound of the Crowd
4.Heart Like A Wheel
5.Do or Die
6.Human
7.Get Carter
8.I Am the Law
9.Seconds
10.Love Action (I Believe In Love)
11. Don't You Want Me
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490. Gun Club – Fire of Love (1981)
“Fire Of Love” de GUN CLUB. Ahora mismo, uno de los mejores discosde rock'n'roll, una verdadera obra maestra. Sin que, en apariencia, sedistinga de tantos y tantos discos de rock'n'roll nervioso y excitado,de tantas citas constantes al blues y el rock primitivo con un espíritupunk y la crudeza por bandera, de nuevo el motivo que hace de éste y node cualquiera de ellos un disco imprescindible, vuelve a ser otro deesos misterios.
El misterio del debut de GUN CLUB no es realmente desconocido,sino precisamente uno de los misterios más fascinantes y discutidos detodos. En realidad se trata de esa pulsión inconfundible que late en elblues. Son pocos los grupos de rock que verdaderamente han podidocaptarla, y hacer de su música el estallido de pasión que hace delverdadero blues lo que es. Sin duda GUN CLUB no optaban por la versiónmás melancólica de aquella música, sino por el lado salvaje. Abrazabanesa forma de concebir el blues como un lamento expresado con ciertarabia, y asimismo como el explícito pero también sutil manifiesto delas más bajas pasiones. Por supuesto, las lúbricas. Pero también lasautodestructivas y amorales que acompañan sus relatos.
Por alguna circunstancia del destino, tal vez por la inopinadahabilidad del malogrado Jeffry Lee Pierce como avatar capaz de conjurarestas fuerzas, existen muy pocos discos ejecutados por músicos blancos,que sean capaces de transmitir lo que “Fire Of Love”. Una electricidadlúbrica y desbocada, una intensidad animal, que hace que, sin recurrira impropios golpes de efecto, cortes que remiten al obligatorio repasoa los cánones del rockabilly acelerado y a la fidelidad a ese rígidopatrón de tres compases, tomen un inesperado vuelo. No es de extrañarque uno no haya parado de escuchar y leer toda la vida recomendacionesfervorosas por parte de gente con criterio de lo más fiable. Estaformación de GUN CLUB pertenece a las mejores leyendas del rock'n'roll.Y personajes como Mark Lanegan le rinden un culto apasionado, yjustificado.
1.Sex Beat
2.Preaching The Blues
3.Promise Me
4.She's Like Heroin To Me
5.For The Love Of Ivy
6.Fire Spirit
7.Ghost On The Highway
8.Jack On Fire
9.Black Train
10.Cool Drink Of Water
11.Goodbye Johnny
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491. Bauhaus – Mask (1981)
Mientras el punk se ahogaba en su propio grito, las cosas enInglaterra comenzaron a cambiar. Algunos grupos comenzaron a homenajeara los viejos héroes del glam aportando sus giros a la música punk, y unbrote de oscuridad no esperada los arropó en sus tentáculos. Habíanacido el after-punk, una música que dejaba de lado la crítica socialpara internarse en la cavernosa naturaleza humana y los efectos defeedback con pedaleras.
Esta corriente musical se transformó en lo que hoy en díaconocemos como "rock gótico", formando con una baraja de bandasdispares como Sisters of Mercy, Joy Division, Echo and the Bunnymen,Siouxie and the Banshees y por supuesto la banda que nos ocupa.Bauhaus.
Este segundo trabajo de Bauhaus es una hoja de afeitar en lasmanos de un niño. Frío, cortante y desgarradora, con momentos dedescarnado rock y tenebrosas baladas, delirios funk, ska enfermizo,despliega toda la oscuridad interior que tenían dentro los cuatromiembros del grupo. La sobriedad rítmica de bajo y batería se veasaltada a fuego por la guitarra demente de Daniel Ash y el auténticopoderío vocal del señor Peter Murphy. Historias de desamor, cienciaficción, de perdición humana a extraños compases. El grupo hace unaconcesión a lo acústico y a los teclados para incorporarlos a suoriginal pesadilla, guitarras cruzadas, melodías de piano disonantes,instrumentos imposibles.
Desde que el grupo le pega una patada a la puerta de entrada con"Hair of the Dog" y su base rítimica heredera de Emerson, Lake &Palmer se nos ofrece una variedad destacable. Tenemos hits llamados aser singles eternos como "Passion of Lovers", composiciones bailablescomo "Dancing" o "Muscle in Plastic" y baladas capaces de causar el másfrío de los sudores, como "Hollow Hills" o la misma "Mask". Un repasoen clave de rock oscuro a una multitud de estados de ánimo, todoacompañado por el inigualable talento para los efectos de Daniel Ash yel caos instrumental siempre latente.
Todo en el disco tiene su lugar. Todos los instrumentos seescuchan a la perfección y el talento innato de la banda aflora sinfisuras. Caso aparte son las ya señaladas habilidades de Ash y sobretodo el poderosísimo registro vocal de Murphy, su voz penetrante, sucapacidad de tonos vocales y su personalísimo estilo es marca de lacasa y sello del grupo. La producción es sumamente limpia, y laabundancia de efectos no colapsa una grabación brillante llena dematices que, pese a la aprente inocencia de algunos temas, nos arrastraa algunas de las simas más profundas de la historia del rock.
La teatralidad y el caracter casi vampírico del grupo están muypresentes en este disco, desde la portada hasta el último sonido todorezuma una incomoda sensación que no todo el mundo está preparado parasoportar si lo escucha atentamente.
Cinco estrellas para una obra maestra de los 80. Si les apetececaminar por el lado oscuro este disco no podría ser un mejor guíaturístico. Disfrutadlo.
1.Hair Of The Dog
2.The Passion Of Lovers
3.Of Lillies And Remains
4.Dancing
5.Hollow Hills
6.Kick In The Eye 2
7.In Fear Of Fear
8.Muscle In Plastic
9.The Man With The X-Ray Eyes
10.Mask
11.In Fear Of Dub
12.Ear Wax
13.Harry
14.David Jay/Peter Murphy/Kevin Haskins/Daniel Ash
15.Satori
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492. Bobby Womack – Poet (1981)
A veces minusvalorado, el gurú del R&B Bobby Womack es uno delos artistas más minucioso y duradero. Tras su paso por The WomackBrothers, The Valentinos, y sus numerosas composiciones para WilsonPickett, Janis Joplin, o J. Geils, lanzó su propio debut en 1971:"Communication". Temas como "Woman's Gotta Have It" (1972) y "Lookin'For Love" (1973) subieron a las listas. Más tarde colaboró con losRolling Stones, Rod Stewart, o Stevie Wonder durante los 80. En"Anthology" (2003) puede disfrutarse una visión general de su trabajo.
Como compositor, Womack es famoso por haber compuesto y grabadooriginalmente, entre otras canciones, el primer número uno de losRolling Stones en el Reino Unido, “It´s All Over Now” y “I canUnderstand It”, de New Birth. Como cantante, es conocido por lascanciones “Lookin’ For a Love”, “That´s the Way I Feel About Cha”,“Woman´s Gotta Have It”, “Harry Hippie”, y su éxito de los 80, “If YouThink You´re Lonely Now”.
Después de un período de media década de olvido en los primeroslugares de las listas, la música soul del veterano Bobby Womack regresocon este álbum “Poet”. En 1981 las tendencias con que se enfrentovolvieron a colocar su carrera en ascenso para Womack y para el modestosello Beverly Glen, donde fue producido dicho álbum. Mejor conocido porel éxito de la balada "If You Think You're Lonely Now", “Poet”tambiénes resaltado por la rítmica "Secrets". Obra maestra comparable en elorden de sus contemporáneo, Marvin Gaye, este disco reivindicó a Womacken su búsqueda de una declaración personal que también congeniara consu público.
1.So Many Sides Of You
2.Lay Your Lovin On Me
3.Secrets
4.Just My Imagination
5.Stand Up
6.Games
7.If You Think You're Lonely Now
8.Where Do We Go From Here
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493. Tom Tom Club – Tom Tom Club (1st Album) (1981)
Tom Tom Club surgió en 1980 como un proyecto paralelo a TalkingHeads por parte de dos de sus miembros, Tina Weymouth y Chris Frantz.En 1981 publicarán su album debut, Tom Tom Club (Sire Records), quecontaba con la participación del guitarrista Adrian Belew, que luegofue miembro no-oficial de Talking Heads, el teclista Tyrone Downie, elpercusionista Uziah Thompson y tres hermanas de Tina Weymouth comocoristas, además de otros músicos que habían participado en la anteriorgira de los Heads.
Alejandose del sonido art-rock del incomprendido Remain In Light,de los Talking Heads, Frantz y Weymouth juegan aquí con el funky y lanew wave. Los dos singles del album, "Genius Of Love" y "WordyRappinghood", se convertirán en dos temas referentes para comprender laconsecuente escena alternativa newyorkina y el hip-hop de los primerosochentas. En 1982 se lanzaron otros dos singles originalmente noincluidos en el album, que si estarán en la reedición de la Warner de1990, "Booming And Zooming" y "Under The Boardwalk".
Vaya una portada y disco. Una de hipnosis rítmica por todos lados,de bajos, de guitarras que parecen turbinas saltadoras, desintetizadores serpenteantes y de chicas cantando dulces melodías. Muyinspirador, a bote pronto me parece que Architecture in Helsinki yStereolab se los tienen bien aprendidos, cada uno a su manera.
1.Wordy Rappinghood
2.Genius Of Love
3.Tom Tom Theme
4.L'Elephant
5.As Above, So Below
6.Lorelei
7.On, On, On, On...
8.Booming And Zooming
9.Under The Boardwalk
10.Lorelei (Remix)
11.Wordy Rappinghood (Remix)
12.Genius Of Love (Long Version)
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494. Rush – Moving Pictures (1981)
Rush es un trío canadiense que siempre supo ser "de culto",mantener un perfil bajo e increíblemente tener excelentes ventas yleales seguidores por todo el mundo. Son tres artistas tranquilos, sinexcesos ni veddetismos, tocan un rock que si bien es progresivo no seva por las ramas, posee excelentes instrumentistas, y las cancionestienen una suerte de introducción/nudo y desenlace. Y cuando tenés aNeil Peart de baterista... tenés el 75% del partido ganado.
Moving Pictures es el título del octavo disco de estudio de laagrupación Rush. Ha llegado a ser cuádruple platino y está consideradouno de los mejores álbumes de rock progresivo de todos los tiempos, elálbum más vendido de una larga carrera que empezó hace ya más de 30años.
Este LP contiene la canción más popular de Rush, Tom Sawyer, unhimno al individualismo. Una oda a las tendencias de mente abierta.Contiene pequeñas alusiones al personaje homónimo de Mark Twain.
Otro aspecto a destacar del álbum es la canción YYZ, uno de losmejores instrumentales de todos los tiempos. Es uno de los temasfavoritos de los fanáticos de la banda, siempre es esperado en susdirectos. Como curiosidades sobre este tema: -Durante la introducciónlas siglas del título se tocan de manera repetitiva de acuerdo alcódigo Morse (-.-- -.-- --..).
El título proviene de un código aeronáutico asignado al Aeropuerto Internacional de Toronto.
Limelight es un tema rockero y comercial pero con una profundaletra que trata sobre la intimidad personal cuando eres una estrella derock. Red Barchetta está inspirada en un cuento de Richard S. Foster("A Nice Morning Drive" ) aunque el título fue una ocurrencia de NeilPeart al admirar un Ferrari 166 MM Barchettade.
"Moving Pictures" muestra la "progresión" que ya venía mostrandola banda durante sus cinco discos anteriores. Y realmente, ningún fandel rock debería dejar de pasarlo por alto, porque aquí hay tresintérpretes de una calidad enorme, una música con composiciones ricasen contenido, y lo más importante: una banda que hace lo que siente yno mira mucho al costado.
1.Tom Sawyer
2.Red Barchetta
3.Yyz
4.Limelight
5.Camera Eye, The
6.Witch Hunt
7.Vital Signs
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495. ABBA – Visitors (1981)
En tan sólo nueve años, los que van de 1973 a 1982, el cuartetosueco ABBA se las ingenió para revolucionar el mercado del pop radial ydejar una seguidilla de éxitos que aún hoy permanecen en elinconsciente colectivo de varias generaciones
The Visitors es el nombre del octavo y último álbum de estudiodel grupo sueco ABBA, publicado en 1981 por Polar Music. The Visitorsmostró que ABBA ya había madurado como grupo; sus canciones tocabantemas más serios y su estructura musical era más compleja. No obstante,como todos los álbumes del grupo, The Visitors fue un álbum exitoso enla mayoría de los países donde fue lanzado.
La separación de ABBA coincidió también con el divorcio de ambasparejas. Era imposible dividir ambos terrenos y, pese a que lointentaron, la mejor solución fue disolver esa máquina de éxitos popque había sido ABBA en sus nueve años de vida. Bjőrn y Bennycontinuaron grabando juntos, en tanto que las dos señoritas se lanzaroncomo solistas, sin mayor suceso.
1 1.The Visitors
2.Head Over Heels
3.When All Is Said and Done
4.Soldiers
5.I Let the Music Speak
6.One of Us
7.Two For the Price of One
8.Slipping Through My Fingers
9.Like an Angel Passing Through My Room
10.Should I Laugh or Cry
11.The Day Before You Came
12. Under Attack
13. You Owe Me One
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496. ABC – Lexicon of Love (1982)
Uno de los máximos exponentes de los "Nuevos Románticos" en los 80.Un grupo nacido en Sheffield, que sigue vivo y que este mismo añoregresó con nuevo disco. Sin embargo, siempre se les recordará por estemaravilloso trabajo que se convirtió inmediatamente en una de las obrasmaestras de la historia del Pop.
Todo comenzó en 1977 cuando Mark White, Stephen Singleton y DavidSydenham formaron una banda orientada al uso de sintetizadores, alestilo de The Human League, Clock DVA o Cabaret Voltaire en ese tiempo;la banda se llamó Vice Versa. Después de una entrevista encargada porMartin Fry, White y Singleton decidieron llamarlo para formar parte desu agrupación.
Vice Versa sacó un EP y unos cuantos singles, todos de estilosynthpop, llegando al industrial, como Human League o Kraftwerk. "NewGirls", su primer sencillo había sido el "sencillo de la semana" porNME.
“Lexicon of Love “ Su segundo disco, contó con la producción deTrevor Horn, que por entonces estaba muy de moda gracias a The Bugglesy su famoso "Video Killed The Radio Star". Para muchos, no se ha vueltohacer música Pop de baile como ésta. Su sonido épico y una orquestaciónsublime, logró que la potente voz de Martin Fry (líder de la formación)se luciera en los 10 temas del álbum. Y eso que fue su debut...
En definitiva, un álbum distinguido, exquisito y sofisticado quesorprendió a toda una generación y que descubrió a Martin Fry como uncantante capaz de competir con gente como Bryan Ferry o hasta DavidBowie. El archiconocido "The Look Of Love" ha ensombrecido con el pasode los años otros buenos temas de este disco, como "Poison Arrow" oeste olvidado "All Of My Heart"...
1.Show Me
2.Poison Arrow
3.Many Happy Returns
4.Tears Are Not Enough
5.Valentine's Day
6.Look of Love, The - (part one)
7. Let's Go Forward
8.Date Stamp
9.All of My Heart
10.4 Ever 2 Gether
11.Look of Love, The - (part four)
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497. Prince – 1999 (1982)
Prince Rogers Nelson, cantante, compositor e instrumentista derock, soul, funk y new wave. Usa el nombre artístico de Prince, perotambién es conocido por otros apodos, entre ellos «The Symbol» y «Elartista anteriormente conocido como Prince». Durante la década de losaños 80, fue uno de los artistas más importantes e innovadores, fuecomparado con Michael Jackson, por estar a su mismo nivel. SusInfluencias musicales abaracan a grandes artistas y bandas como JimiHendrix, Sly & the Family Stone, Curtis Mayfield,Parliament-Funkadelic, Stevie Wonder,Joni Mitchell,Duke Ellington,Miles Davis incluso a Santana, James Brown, The Beatles y LedZeppelin.
Este álbum, 1999 supuso su primer gran éxito popular, yprobablemente su primera gran obra maestra. La canción que dio títuloal disco se convirtió en un clásico, aunque la canción que le aupó alas listas de éxitos fue el segundo sencillo, Little Red Corvette, temadirigido básicamente al público blanco. Antes de la gira de promocióndel disco, André Cymone dejó la banda, frustrado por el egocentrismo dePrince para empezar una carrera en solitario como solista y productor.Fue sustituido al bajo por Mark Brown, rebautizado como Brownmark. Enesta gira la banda tuvo por primera vez el nombre The Revolution.
1.1999
2.Little Red Corvette
3.Delirious
4.Let's Pretend We're Married
5.D.M.S.R.
6.Automatic
7.Something in the Water (Does Not Compute)
8.Free
9.Lady Cab Driver
10.All the Critics Love U in New York
11.International Lover
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498. Grandmaster Flash & the Furious Five – The Message(1982)
Joseph Saddler, más conocido como Grandmaster Flash, es un DJ oldschool nacido el 1 de enero de 1958 en Barbados, aunque creció en elBronx, Nueva York. Fue pionero de toda una serie de técnicas rompedorascomo el “cutting” (cambiar de un disco que está sonando en un plato alotro sin perder el ritmo), “Duets” (retrasar manualmente los platospara repetir breves muestras de sonido), y “phasing” (superponer doscopias del mismo disco, lo que produce un sonido fluctuante ). Tambiénfue de los primeros en cambiar los arreglos de los temas utilizandocopias duplicadas de discos, editando y repitiendo las partes de clímaxgirando los discos hacia atrás y adelante.
Comenzó a pinchar discos desde adolescente mientras crecía en elBronx, actuando en directo en pistas de baile y fiestas de barrio. Alos 19 años, mientras cursaba sus estudios de electrónica en el SamuelGomsper Institute durante el día, formaba ya parte del circuito localde DJs.
Tenía un grupo llamado The Furious Five, que lo formaban MelleMel, Cowboy, Kid Creole, Mr. Ness aka Scorpio y Rahiem , además delpropio Flash como DJ.
Tras pasar primero por el sello Enjoy, grabando el tema“Supperapin”, Flash y The Furious Five firmaron por Sugar Hill Records,sello de Sylvia Robinson.
En 1981, con el single “The Adventures of Grandmaster Flash on theWheels of Steel”, Flash mostró todas sus increíbles habilidades comoDJ, siendo este la primera grabación con el sonido del scratch. Para1982, “The Message”, con la voz principal de Melle Mell, se convirtióen la primera canción de rap con un mensaje serio en su letra. Esemismo año Flash hace un cameo en la primera película sobre la nacientecultura hip hop, “Wild Style” mezclando y haciendo scratch en lacocina.
En 1983, las relaciones entre Flash y Melle Mel comenzaron adeteriorarse y el rapero abandonó el grupo para crear el suyo propio alque también llamó Furiuos Five.
Joseph Saddler, famoso mundialmente como Grandmaster Flash & the Furious Five, los inventores del hip-hop moderno.
1.She's Fresh
2.It's Nasty
3.Scorpio
4.It's a Shame
5.Dreamin
6.You Are
7.The Message
8.Adventures of Grandmaster Flash on the Wheels of Steel
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499. Elvis Costello – Imperial Bedroom (1982)
Dentro del amplio espectro sonoro surgido a finales de los años 70en el Reino Unido y tras el estallido del punk británico, que recuperódesde una apostura irascible y reinvidicativa las bases más simples ydirectas del rock’n’roll, Elvis Costello destacaría en su extensatrayectoria como un meritorio y prolífico escritor de canciones, cuyascomposiciones tanto se anexaban al arrojo punk o la frescura pop de lanew wave como roturaban, desde una perspectiva de comentarista socialairado y cáustico, en heterogéneas disposiciones sonoras que solíannutrirse de variadas músicas como el country, el jazz, el blues, elreggae, el soul, el Tin Pan Alley y el Brill Building pop o el folk.
Continuando con el paso arrollador de producir un álbum por año,Costello and the Attractions lanzaron "Imperial Bedroom" en 1982 ysorprendieron a sus fanáticos al reemplazar al productor Nick Lowe conel una vez ingeniero de los Beatles Geoff Emmerick. La banda le dio labienvenida a un sonido más de jazz de la época del pop pre-invasiónbritánica. "Man Out Time" se parecía más a "Wall of Sound" de PhilSpector, si alguna vez se sintió un poco introspectivo.
"Imperial Bedroom" le presentó al mundo lo que sería la definitivaimagen del trabajo de Costello a fines de los años 80' y durante losaños 90'.
Elvis Costello retornaba a su faceta más pop con cortes como“Beyond belief”, “You little fool” o “Man out of time”, y a el empleode tempos más sosegados en sus primeros trabajos, y arreglos mucho mássofisticados y derivados del pop tradicional y el jazz, recordando ensus cortes tanto a Ira y George Gershwin como a Burt Bacharach o a ColePorter. Esta dirección, alabada por unos, denostada por otros, sería laque dominaría muchas de sus siguientes composiciones.
El álbum llegaría el número 6 en las listas de ventas inglesas y al 31 en los Estados Unidos.
1.Beyond Belief
2.Tears Before Bedtime
3.Shabby Doll
4.The Long Honeymoon
5.Man Out of Time
6.Almost Blue
7....And in Every Home
8.The Loved Ones
9.Human Hands
10.Kid About It
11.Little Savage
12.Boy With a Problem
13.Pidgin English
14.You Little Fool
15.Town Cryer
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500. The Cure - Pornography (1982)
Pornography es el cuarto LP de la banda británica de rock The Cure.Su primera edición fue lanzada en 1982. Este álbum es considerado poralgunos como el más oscuro y deprimente de todos los de que la banda haeditado a lo largo de su carrera. Sin proporcionar el menor atisbo dealegría, este álbum parece estar envuelto por una atmósfera deauténtica desesperanza. Por poner un ejemplo, la letra de la primeracanción del álbum One Hundred Years, comienza con la frase "It doesn'tmatter if we all die." ("No importa si todos morimos" ).Con eltranscurso de los años, Pornography ha ido ganando adeptos, y hoy díaes considerado como uno de los mejores LP de la banda, sin duda elparadigmático del estilo temprano del grupo, y uno de los álbumes clavepara entender aquella época musical.
Cabe destacar que durante el tour de presentación de este disco,se dio comienzo a el maquillaje característico de The Cure, al tratarde representar en escena, el dolor y la intensidad de dichas letras.
Pornography es el último disco de la banda en el que LaurenceTolhurst aparece en los créditos como baterista. A partir de estemomento, Tolhurst, miembro fundador de la banda, se convertiría en elteclista del grupo.
Pornography fue remasterizado por Chris Blair en los míticosestudios de Abbey road en Londres. Se produjo el relanzamiento el elReino Unido el 25 de abril de 2005 (el 26 en Estados Unidos) como partede las series Deluxe de la discográfica Universal. La nueva edición, dedos CDs incluye una versión remasterizada del LP original, en el primerCD, y una colección de demos, canciones en vivo, en el segundo. Tambiénexiste una edición monodisco, que incluye el álbum original tal cual,solo que remasterizado y es el que se presenta aquí para descarga. Fuelanzado a finales de 2005 en Europa, y a principios de 2006 en EstadosUnidos.
En 2002, The Cure realizó una actuación en Alemania la que tocó eldisco al completo, junto con Disintegration y Bloodflowers, como partede los conciertos de la trilogía (The Cure: Trilogy)
1.One Hundred Years
2.A Short Term Effect
3.The Hanging Garden
4.Siamese Twins
5.The Figurehead
6.A Strange Day
7.Cold
8.Pornography
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publicado por
braian460 a las 14:43 · 4 Comentarios
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Comentarios (4) ·
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hola, gracias por postear moving pictures, me lo llevo un abrazo!
NI UNO DE LOS BEATLES
NI UNO DE LOS STONES
NI UNO DE SODA STEREO
SI FALTAN ESAS TRES BANDAS NO SIRVE
ADEMAS NO HAY 1001 DISCOS
CUALQUIERA EL POST
Ay Lucas Lucas... lucas... no, no hay 1001 discos... no, no hay...
pero aun asi, no te parece positivo el aporte?
Quien posee menos en esta vida?
quien no puede llegar a 1001 que hubiese deseado?
O quien no sabe agradecer lo que viene de arriba aunque falten detalles?
Adoro a lo stones o los Beatles, por lo de tu comentario de "Soda"... bueno... quedate tranqui, podes morir sin tenerlo... pero tranqui ehhh...
A quien hizo el post, por mas que no tiene 1001, esta bueno el aporte... no me llevo mas de 4 o 5 y eso ya esta genial...
Lucas... vas a bajar 1001?... en fin...
Un abrazo...
Esta publicado en funcion al libro, lo cual implica:
1) Los criticos no incluyeron practicamente nada en español.
2) El libro posiciona los discos en orden cronologico, y por lo que veo este post incluye la etapa 80'-82', lo cual deja afuera a los Beatles, y los Rolling Stones por estas epocas publicaron 2 discos totalmente intrascendentes.
Muy bueno el post.
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